FMX: Conciertos

Festival de México


Bomba Estéreo y la 33
Colombia en el Lunario

Dos bandas del cono sur constituyen la gran fiesta de Radical Mestizo: ritmos latinos aderezados con rock y ska.

Al ritmo de los tambores y con la guitarra enérgica de Jon Parales, Li Saumet vuelve a gritar "¡fuego! Y no lo dejes apagar", mientras la mezcla de géneros y ritmos se apropia del aire, haciendo que letra y música se fundan, y resulta casi imposible distinguir entre una y otra. Se trata de Bomba Estéreo, una combinación de música electrónica con el reggae, el rap con el hip-hop y cumbia colombiana, el plato fuerte que este año engalana a Radical Mestizo.
Después de giras exitosas por Europa, Japón y Estados Unidos, esta banda colombiana ha escalado el top ten latino de ventas en iTunes, y la voz explosiva de su vocalista, Liliana Samuet, acompaña el soundtrack del juego FIFA 2010 con el sencillo "Fuego". A pesar de la fama ellos siguen tratando de romper esquemas. «No estamos pensando mucho en la radio o en hacer grandes hits. Nosotros queremos romper fronteras y llevar nuestra música a todo el mundo», declaró Jon Parales al diario The New York Times,  después de un concierto aplaudido por el público y por la crítica en el Summer Stage del Central Park en Nueva York.
Con apenas dos álbumes en su discografía: Vol.1, de 2006, y Estalla, editado en el 2008, Bomba Estéreo es un grupo que ha logrado crecer musicalmente y crear un estilo único que los hace inconfundibles. En canciones como "Fuego" o "Bomba" se reconoce de inmediato la mano de Simón Mejía, fundador y director de la banda, y la energía desbocada de la samaria Li Saumet.
El otro lado de Radical Mestizo es una banda, también colombiana, que se convirtió en un éxito con "La Pantera Mambo", una versión salsera de "La Pantera Rosa": La 33, una de las orquestas más exitosas de Colombia. En el 2003 esta agrupación, fundada por los hermanos Sergio y Santiago Mejía, se convirtió en un fenómeno musical después de su extraño debut en el convento de San Juan Evangelista, ubicado en el barrio bogotano de Teusaquillo, justamente en la calle 33.
La 33 es una orquesta de salsa inspirada en el formato neoyorquino; tiene piano, bajo, conga, timbales, bongoes, saxo, trompeta, trombones y tres vocalistas. Quizá lo más impresionante de su éxito es que se han mantenido al margen de los grandes sellos disqueros y, aún así, han vendido una gran cantidad de álbumes. Es el caso de su primer trabajo, Gózalo, que vendió 25 mil copias de manera independiente y ocupó el sexto lugar en ventas de la tienda Tower Records. Extrovertidos, irreverentes y con una gran calidad musical, estos colombianos han logrado colarse en los mercados europeos y asiáticos. Si bien no son tan arriesgados como Bomba Estéreo en su mezcla de géneros y sonidos, sí consiguen crear canciones redondas con letras de gran calidad y una música con ecos de jazz, bolero, salsa y merengue.
La 33 es uno de los principales referentes de la música colombiana actual. Ésta es la primera vez que se presentan en la Ciudad de México y habrá que ir a verlos al Lunario para abrir una noche que promete ser memorable.
                        – Arturo Sánchez Meyer

   Lunario
Jueves 25 21hrs
Donativo: $400
Sólo mayores de 18 años.


 Angelika Niescier
Sublime sax

La saxofonista alemana presenta en México su jazz fusionado con elementos musicales de otras culturas

Su destreza, su versatilidad, y su inteligencia musical la sitúan entre lo más destacado del jazz alemán. La trayectoria de Angelika Niescier habla por sí sola: con más de quince años tocando jazz a través de múltiples países, la virtuosa saxofonista visita México en su mejor momento. Nueve años después de la edición del extraordinario álbum sublim, grabado junto con el pianista clásico Hand Lüdemann, el bajista Sebastian Räther, y el baterista Christoph Hillman, la figura de Angelika mantiene un incuestionable prestigio entre la crítica especializada. 

  Museo de la Ciudad de México
Sábado 27  20:30hrs
Donativo: $100 

 



IG Blech
Alientos de Berlín

 

Una de las precursoras del world music: IG Blech viene a mezclar instrumentos de viento con música de todas partes.

Mezclan jazz con mú­sica brasileña, salsa, canciones de Europa del este, música de los Balcanes, danzas de Turquía y Anatolia, y recurren al uso de vestuario y    movimientos coreográficos.
IG Blech es un ensamble berlinés de veinte músicos tocando toda la variedad de instrumentos de viento, madera y metal, como trompetas, trombones, tuba y saxofones acompañados de una sección de diez instrumentos de aliento de madera y percusiones. Su sonido no es el de  una banda tra­di­cional de calle. Desde su fundación en 1975, se ha abocado a recopilar arreglos para bandas en Europa y otros países, es­cribir material original y fusionar ritmos y géneros, mucho antes de que el término “world music” exis­tiera. 

 Museo de la Ciudad de México

Martes 16 20:30 hrts

Donativo: $150



 la Zinco Big Band y Bergalli
Jazz mutante

 Tres géneros clásicos en nuestra región toman forma de jazz en el concierto Tangos, boleros y blues.

 Si eres amante de cualquiera de los tangos, el bolero o el blues, o mejor aún, de los tres, este 16 de marzo en el Teatro de la Ciudad, podrás darte el lujo de escuchar las interpretaciones de uno de los mejores trompetistas del mundo y de la primera Big Band en México. Hablamos de Gustavo Bergalli y la Zinco Big Band.
Tangos y boleros con sabor a jazz, y con arreglos sorprendentes que incluyen lo mejor del folklore argentino, son lo que el bonaerense Gustavo Bergalli viene a ofrecer al fmx-Festival de México. Este músico le ha dado la vuelta al globo acompañando a artistas de la talla de Joe Lovano, Jimmy Heath y John Scofield.
Integrante del grupo denominado modernos del jazz en los años 60, Bergalli ha logrado desarrollar un estilo único. En 1999, con arreglos de Carlos Franzetti, produjo la obra Tango con La  Stockholm Jazz Orchestra, editada por el sello DMP Records de Nueva York. En carácter de director y principal solista, la ha ejecutado en diversas oportunidades junto a grandes orquestas como la UMO Jazz Orchestra (la Orquesta Oficial de Jazz de Finlandia) y la Brussels Jazz Orchestra, entre otras.
Pero si hablamos de bandas y de jazz, no cabe duda que la Zinco Big Band también ha hecho su tarea y bastante bien. Mientras la voz de la neoyorkina Daline Jones se apodera del micrófono, la Zinco ejecuta con maestría temas de las más grandes figuras del jazz, incorporando la participación de arreglistas y compositores contemporáneos, varios de ellos integrantes de la banda.
Sobran razones para ir a ver a Gustavo Bergalli y a la Zinco Big Band; quizá la más poderosa de ellas es ser testigo de los nuevos giros y sorpresas que puede proporcionarnos la música de siempre, interpretada desde una propuesta musical distinta y novedosa.
                          – Arturo Sánchez Meyer

  Teatro de la Ciudad
Martes 16 20:30hrs
Donativo: $100, $150, $200, $250 

 


Le Poème Harmonique
Atmósferas y tinieblas

 

Este ensamble francés vuelve tus oídos al pasado: música de los siglos XVII y XVIII, aderezada con una propuesta escénica que te remonta a esa época.

En medio del mood avant-garde de fmx, Le Poème Harmonique es una propuesta que se vuelve rara en contexto, pero no por ello es menos seductora. Comencemos: la música, dirigida por Vincent Dumestre, remite a los años inmediatamente posteriores al renacimiento. No sólo por las melodías: los instrumentos que utilizan son de aquella época. Theorbo, lirone, tiorbino, arpa tripla, ninguno de ellos se utiliza actualmente. Luego, mientras la música suena, salen a escena actores y bailarines, quienes, a la luz de las velas, crean una propuesta escénica que recrea la atmosfera del periodo al que pertenece el programa. Su música, extraña entre los sonidos de vanguardia que abundan actualmente, ha recibido numerosas distinciones, como el premio Internacional del Disco Antonio Vivaldi de la Fundación Cini de Venecia en 2002, el Diapason d’Or Arte y el Grand Prix de l’Académie Charles Cros en 2005. Llegan a México con Lecciones de tinieblas (Lecons de Ténèbres) de François Couperin (1668-1733), escritas para la liturgia de la Semana Santa de 1714 de la abadía de Longchamp.

  Museo Interactivo
de Economía MIDE
Martes 16  20:30hrs
Donativo: $300
  Catedral Metropolitana
Jueves 18  20:30hrs
Donativo: $300 


 Jóvenes solistas. De Bach a Poulenc
Las nuevas promesas

 Tres discípulos de Horacio Franco interpretan obras de cinco de los máximos compositores de la historia.

 ¿Qué tienen en común Concepción Hernández, una indígena mixe de Tlahuitoltepec, Oaxaca, miembro de la Banda del Centro de Capacitación Musical y Desarrollo de la Cultura Mixe; Ana Caridad Villeda, joven de catorce años que estudia violín desde los cinco, y Fabián Espinosa, quien estudió piano y descubrió el clavecín en una clase del Conservatorio? Respuesta: los tres son alumnos de Horacio Franco, el flautista más distinguido del país. Otra respuesta: los tres participan en el mismo evento, De Bach a Poulenc, donde interpretan piezas de cinco grandes músicos: además de los citados, Liszt, Honneger y Henryk Wieniawsky. ¿Qué tan talentosos son? Bueno: son alumnos de Franco, quien a través de ellos hace una declaración de fe: «Al haberme costado tanto trabajo llegar a lo que ahora soy, considero que México debe brindar a los jóvenes talentosos el seguimiento en sus carreras». Para que no extrañemos la dosis de flauta y talento que en años pasados nos trajo al Festival el propio Franco, valdrá la pena escuchar a estas promesas mexicanas.

   Anfiteatro Simón Bolívar
Miércoles 17  20:30hrs
Donativo: $150



 Christoph Genz y Cornelia Herrmann
Otro bicentenario

 Una de las pianistas jóvenes más reconocidas de Austria y el talentoso tenor alemán interpretan Los amores del poeta de Robert Schumann, a 200 años de su nacimiento.

 Ella se formó con grandes pianistas como Murray Perahia y András Schiff; en 1996, fue la finalista más joven y la ganadora del concurso internacional de música J.S. Bach; en 1999 ganó premio especial en el concurso internacional Mozart de Salzburgo, y en 2002 debutó formalmente (lo anterior sólo fue preámbulo) en el festival de Salzburgo. No es de extrañar que Cornelia Herrmann, compatriota del mismísimo Mozart, sea una de las figuras jóvenes más importantes de la música de cámara en el mundo.
En esta edición del Festival, Herrmann  une fuerzas con Christoph Genz, interpretando ciclos de los Lieder del compositor alemán. Además de que también fue ganador de la prestigiada competencia internacional J. S. Bach de Leipzig, Genz obtuvo el primer premio en el certamen de canto en Grimsby, Inglaterra, y ha participado en producciones de ópera, recitales y conciertos bajo la conducción de directores renombrados. En Los amores del poeta, estos jóvenes músicos homenajean a Robert Schumann con motivo de los 200 años de su natalicio. Por otro lado, Herrmann presenta un programa dedicado a Frédéric Chopin, también con motivo de los 200 años de su nacimiento.

  Salón de recepciones del MUNAL
Martes 23  20:30hrs
  Auditorio Baz del Palacio de la Antigua Escuela de Medicina
Jueves 25  20:30hrs
Donativo: $150 

 



 Niños Cantores del Centro Histórico
Pequeñas grandes voces

El Coro de Niños Cantores del Centro Histórico presenta su programa anual. En esta ocasión, piezas de José M. Castro, Pepe Guízar y Luis Sandi son las interpretadas.

 En esta edición del Festival, presentan un programa vinculado al Bi­centenario a cargo de su nuevo director Agustín Carmona, quien también es organista, arreglista y transcriptor. El Coro de Niños Cantores fue creado en 1998 bajo la dirección general de Leszek Zawadka y dirigido por Zaira Soria de 2004 a 2009. Es uno de los proyectos continuos del Festival en el que actualmente participan veinticinco niños y niñas de en­tre siete y dieciséis años, que viven en el Centro Histórico y reciben educación mu­sical gratuita. El coro está a cargo de Agustín Carmona Galván en la dirección artística y Linda Caudillo en el piano. Cuenta con un re­perto­rio que abarca diferentes épocas y estilos musicales, así como arre­glos compuestos es­pecialmente para la agrupación.

   Museo de la Ciudad de México
Domingo 14  12:30hrs
  Auditorio Divino Narciso del Claustro de Sor Juana
Domingo 21  12:30hrs
  Anfiteatro Simón Bolívar
Sábado 27  12:30hrs
Donativo: $150

 


 Boredoms
La locura venida desde Japón

Sentido del humor, sets de hasta 88 baterías, música experimental mezclada con irreverencia: desde Osaka, Boredoms une fuerzas con KK Null y Fat Mariachi.

 Definitivamente una de las bandas que desde hace más de veinte años ha marcado tendencia en el rock experimental es Boredoms. Distorsión, altos decibeles, ruido, experimentos sonoros y, sobre todo, fuertes descargas de sentido del humor conforman la personalidad de este combo que por fin pisará suelo mexicano dentro del festival Radar.
Así es, damas y caballeros, los guerreros de la ciudad de Osaka llegan a México después de una brillante trayectoria en el underground y guiños al mainstream, que incluye más de una decena de discos, apariciones en el festival Lollapalooza y diferentes proyectos por separado de cada uno de sus integrantes. Por ello, no es casualidad que entre sus fans se encuentren Sonic Youth y los desaparecidos Nirvana.
Contextualicemos. La banda liderada por Yamataka Eye se inserta dentro de una generación de artistas japoneses dedicados a explotar las diferentes posibilidades del ruido. Nombres como Merzbow, Otomo Yoshihide, KK Null, Ruins, Melt Banana, por mencionar sólo algunos, son comparsas de los Boredoms en el trabajo del sonido extremo. Sin embargo, los de Osaka  han puesto especial énfasis en el sentido del humor lo que les ha valido una gran aceptación de las audiencias.
Sí, ver en directo a los Boredoms es una experiencia que va más allá de asistir a tan sólo un concierto. La banda busca conectar afectivamente con el público y vaya que lo consiguen. Sus ideas son tan poco convencionales que un día pueden presentar un set para 88 bateristas o utilizar en el escenario instrumentos hechos en casa,  como el Sevena, que incluye siete guitarras Telecaster en una. He ahí una pequeña muestra de lo que son capaces en el entarimado.
Lo que verán es a una banda irreverente, irrespetuosa con la solemnidad de la música experimental, una banda en constante búsqueda que no le interesa más que la creatividad. En efecto, Los Boredoms están en nuestro país, y si no los conocen, no se preocupen, los Boredoms los conocen muy bien a ustedes.
                                            – Oscar Adad

 Lunario

Sábado 20 20:30 hrs

Donativo: $400

Sólo par mayores de 18 años.


KK Null
Contundencia sónica

 Uno de los músicos fundamentales de la escena noise japonesa. Kazuyuki Kishino une fuerzas con Boredoms y Fat Mariachi en el gran concierto de Radar en fmx.

 Llega a México una figura de culto surgida de la escena del noise nipón. Un hombre que desde hace casi treinta años ha marcado rutas dentro del rock, la electrónica experimental y el ruido, su nombre: Kazuyuki Kishino, mejor conocido como KK Null.
La carrera del japonés se encuentra enraizada profundamente en el rock, siendo fundador y co-partícipe de importantes agrupaciones como YBO2, Absolut Null Punkt, y la exitosa banda de avant rock Zeni Geva, con la cual grabó un par de veces en las famosas Peel Sessions de la BBC.
Asimismo, Null es un artista fuertemente interesado en la electrónica experimental, y es ahí donde deja fluir sus muy distintas visiones sonoras, que van desde lo más recargado del noise hasta la creación de estructuras ambientales electroacústicas. Gracias a ello, en su curriculum desfilan los más importantes y diversos artistas del sonido: desde colaboraciones con el guitarrista Fred Frith, hasta sus trabajos con el amo del ruido: Merzbow. Mención aparte merecen sus apariciones como guitarrista de apoyo para Sonic Youth y Mike Patton.
Los sets en directo de Kishino son contundentes. Apoyado por instrumentos digitales y análogos, el nipón se planta en el escenario con la fuerza de un peso completo y un poderoso sonido plagado de detalles en su construcción. Null no se anda con nimiedades: es de esos artistas que definitivamente nos muestran que otros mundos existen, ya sea por las buenas o…
                                         – Oscar Adad

 Fat Mariachi
Rancheros posmodernos

 Una de las bandas más particulares de la escena experimental mexicana: gallinas en el escenario y performance interactivo son algunos elementos de estos charros idos a locura, que tocan junto a Boredoms y KK Null.

 Fat Mariachi llama la atención desde el nombre. Ni se diga cuando salen al escenario: tres sujetos vestidos literalmente de mariachis aparecen entre la penumbra, llevando carteles con los que piden aplausos; posteriormente toman sus instrumentos: bajo eléctrico, batería y efectos hechos en casa. Es justo en ese momento cuando el performance da inicio.
Kai Kraatz, Daniel Lara y Carlos González son los responsables de la creación de este colectivo que nace por su hartazgo de la pose de los artistas que crean música con ordenadores portátiles. Para ellos lo más importante es crear un performance que busque, ante todo, la interacción con la audiencia, así como tumbar las formas de un show tradicional. Para lograr su objetivo, echan mano de recursos como subir al público a tocar con ellos en el escenario, parar canciones a la mitad si no les convencen, e incluso, llevar gallinas al recinto. No, en serio.
No existe la menor duda de que Fat Mariachi provocará la reacción del público; si ésta es buena o mala, es lo menos importante. Lo que realmente interesa es el atrevimiento que han tenido estos tres tipos al crear un concepto de estas características.
                                           – Oscar Adad

 

Boredoms, KK Null y
Fat Mariachi
  Lunario
Sábado 20 20:30hrs
Donativo: $400
Sólo para mayores de 18 años.

 


 Ely Guerra, hombre invisible
El regreso de la Guerra

Estrena su propio sello independiente y rompe el silencio de cinco años con su Hombre Invisible: Ely volverá a conquistarnos.

Se ha roto el silencio que, por más de cinco años, enmudeció la guitarra de una de las mejores artistas alternativas de la escena mexicana: se trata de Hombre invisible, el disco más reciente de Ely Guerra. Después de dejar a EMI Music, su antiguo sello musical, la Guerra se lanzó de manera independiente y creó su propia disquera llamada Homey Company. Bajo este sello, Ely regresa con todo a la escena.
Con un estilo inconfundible y acompañada por sus músicos de toda la vida (Hernán Hecht, Ezequiel Jaime, Nicolás Santella y Demián Gálvez), Ely Guerra regaló en el sitio de descargas Mapamondo, el primer sencillo del disco llamado "Stranger".
«Esta canción es mutante, rodante, sin restricciones. Ser un extraño aquí no es malo, es una condición. Advertir que no somos quienes creemos ser, es una aventura excitante, llena de compensaciones», declaró Ely para la revista People en español.
Después de dejar tatuados en los oídos de toda una generación temas como "Ojos claros, labios rosas", o "Quiéreme Mucho", a esta regiomontana de 36 años no parece costarle ningún trabajo adaptarse a los nuevos retos que le imponen el mercado musical y hasta sus fans más fieles, quienes empezaban a desesperarse después de tanto tiempo en temporadas de secas.
Con Hombre Invisible, Elizabeth Guerra experimenta desde todos los ángulos y formas posibles. No en vano artistas y grupos de la talla de Café Tacuba, Álvaro Henríquez, de Los tres, Gil de Cerezo, de Kinky, Gustavo Santaolalla, Enrique Bunbury, Pablo Gigliotti y Juanes, colaboraron en la creación de este disco. Todos hombres, todos involucrados en el proceso de creación y producción: de ahí el nombre del disco (que hace alusión a los hombres invisibles, los que estuvieron detrás del resultado final). Además, según ha declarado la propia Ely, este disco tuvo un proceso de creación distinto de los discos anteriores: a diferencia de sus materiales pasados, este disco comenzó con la sesión de fotos que le sirven de imagen.
                      – Arturo Sánchez Meyer

  Teatro de la Ciudad
Jueves 18 20:30hrs
Donativo: $150, $200, $300, $350

 


Clausura: Nortec collective y Bomba Estéreo
Un epílogo tijuanense-colombiano

 Para cerrar fmx-Festival de México, un evento que encuentra dos puntos álgidos de música en América Latina: el colombiano Bomba Estéreo y, desde Tijuana, Nortec.

“La última y nos vamos”, dentro del fmx-Festival de México, será un carnaval de varias horas —digno de una edición con nuevo rostro, colores, temperamento y hasta nombre— que pondrá al mundo de cabeza. No era para menos.
¿Necesita presentación esta camarilla de aventureros, que ha situado a Tijuana más allá del imaginario del sombrero, las botas, los prostíbulos y el narco? La luminaria indiscutible de la clausura se llama Colectivo Nortec, gran explorador de sincretismos en su poco higiénico laboratorio musical, donde la premisa es “contaminar” sonidos adecuadamente. En esta ocasión estará representado por Fussible (Pepe Mogt) y Bostich (Ramón Amezcua). Ofrecerá material de Tijuana Sound Machine, una fiesta de acordeón, trombón, tuba y trompeta, con una electrónica más traslúcida que nunca. Ganó un Indie-O Music Award como mejor disco dance/electro, y fue nominado al Grammy Internacional como mejor álbum alternativo latino en 2009.
Cuentan que el concepto de un clan abocado a indagar, crear y samplear música norteña, banda sinaloense y tambora combinadas con house, techno, breakbeat y drum’n’bass, nació a partir de unos “breaks perrísimos” que Mogt escuchó en una boda. Y del hastío que les generaba la pura electrónica foránea. Hoy son una movida cultural que hace delirar a Estados Unidos y Europa con sus experimentos.
Además, esta vez habrá un huésped explosivo, recién desembarcado de Bogotá, que se lanza a México por primera vez con la expectativa de hacer gozar hasta al más huraño: el grupo Bomba Estéreo, ilustre en sus pagos por su sabor, desparpajo e indocilidad política. En pocas palabras, es un tótem en la escena alternativa de su país. Con Simón Mejía y la vocalista Liliana Saumet a la cabeza, la banda nos dará un espiritoso cóctel de algarabía colombiana: cumbia, bullerengue, champeta, rap, reggae, hip hop, electrónica… Quizá este mosaico musical se resuma en un género de su propia invención: el “electro vacilón contestatario”.
Calentemos motores para el concierto…
                                       – Ana Marimón

   Sede por confirmar
Domingo 28, horario por confirmar
Entrada libre

 


Brad Mehldau
Jazzista de jazzistas

 Sus influencias van de Radiohead a Miles Davis, su estilo es único entre jazzistas de la escena neoyorkina. Y es uno de los platos musicales fuertes del fmx-Festival de México.

Con los ojos cerrados y la cabeza a dos centímetros de las teclas de su piano de cola, como si tratara de tocar también con la nariz, este músico de Florida se contorsiona y exprime su magia con notas tan variadas, que van desde el jazz clásico hasta algunos covers de Radiohead. Tiene apenas 39 años y ya es considerado por muchos el mayor exponente del jazz en la escena actual. Delgado y de aspecto indefenso, cuando Brad Mehldau se sienta al piano se transforma en un gigante.

Mehldau será uno de los platos fuertes de fmx-Festival de México, en un recital que promete ser uno de los más importantes del 2010 en tierras aztecas. Los amantes del jazz y también los de la buena música en general, no pueden faltar a la cita, donde Brad hará lo que mejor hace: domar al escenario y sorprender al publico.
«He tocado piano clásico desde que tenía unos seis años, pero no acostumbraba improvisar. No tocaba jazz porque no había estado expuesto a eso. Fue cuando descubrí a Oscar Peterson y después de escuchar algunas grabaciones de Horowitz y otros clásicos virtuosos, cuando empecé a relacionarme con este estilo, en el sentido de que su técnica me asombraba. Tocaba un tipo de música totalmente distinta. Fue eso lo que me sumergió en el jazz, y me demostró todo lo que era posible hacer con el piano», dijo Mehldau en una entrevista para la revista All About Jazz, donde lo cuestionaron acerca de sus influencias musicales más cercanas. Y es que a Brad, quien adquirió fama por formar parte del cuarteto de Joshua Redman, se le ha equiparado en muchas ocasiones a músicos como Bill Evans o Lenie Tristano, comparaciones que él considera simplemente halagadoras.
Alejado de cualquier influencia o comparación, Brad tiene voz propia y una altísima calidad musical que ha quedado plasmada en sus más de cuarenta discos (once de ellos como solista o al frente de su trío); en 2008 fue nominado al Grammy en tres categorías, una de ellas como mejor álbum instrumental de jazz.
Fan de la música de los Beatles y de Radiohead, Mehldau no se considera un “purista del jazz”; por el contrario, piensa que lo que ha consolidado al jazz a lo largo de los años ha sido el tomar elementos de todo tipo de géneros de una manera casi sacrílega. Ahora hay gente que ve al jazz como una forma elevada de arte, sólo les gusta el “Kind of Blue” de Miles o John Coltrane, y esto para Brad es una forma “cuestionable y elitista” de entender la música.
Mehldau ha dicho varias veces que tocando en vivo es como mejor se siente, y esto se debe, en gran medida, a que es un improvisador formidable. Es por ello que este concierto en la Ciudad de México levanta las miradas de críticos y fans que esperan ansiosos ver a este norteamericano arrancar notas de su piano, combinando la maestría de la escuela clásica con una sensibilidad innata que lo convierte en un jazzista excepcional.
                         – Arturo Sánchez Meyer

   Lunario
Viernes 26 y sábado 27 21hrs
Donativo: $350, $500, $700
Sólo mayores de 18 años.


 Ciclo Kagel
Homenaje al gran argentino

 Ya lo dijo John Cage: “el mejor músico europeo es argentino, y se llama Mauricio Kagel”. Tras su reciente fallecimiento, el dúo Bruck-Ross, Eva Zöllner y la película Ludwig van le hacen homenaje.

 Esta es una gran oportunidad para introducirse en la obra de uno de los compositores más atractivos del siglo XX: Mauricio Kagel. Nacido en Argentina en 1931 y fallecido en Alemania en 2008, es una desbordante fuente de ideas: desde su trabajo en la música de cámara, electroacústica, música para películas, hasta su teatro instrumental.
Mauricio Kagel es un compositor subversivo que va más allá de la música como fenómeno meramente acústico e incorpora de manera fundamental la gestualidad de sus intérpretes, es decir, potenciando la vertiente teatral de la actuación musical. Asimismo, llegó al punto de realizar obras abiertamente anti-institucionales como su primera ópera Staatstheater, que no sólo es la negación de la ópera, sino de toda la tradición del teatro musical.
El creador de la banda sonora de Un Perro Andaluz (Buñuel, Dalí) invita a la audiencia a transgredir sus propias formas de percepción estética. Kagel lo hace con su obra; depende del escucha aventurarse con él o permanecer cómodamente en su asiento.
                                           – Oscar Adad

  Dúo Bruck-Ross
Anfiteatro Simón Bolívar
Domingo 14 13hrs
Donativo: $150
  Eva Zöllner
Anfiteatro Simón Bolívar
Jueves 18 20:30hrs
Donativo: $150
  Ludwig van
Centro Cultural ARTeria
Miércoles 17 18hrs
Entrada libre 

 

 


Huey Mecatl
Geometría musical
 

¿Cómo sería estar dentro de un instrumento musical? Este proyecto resuelve parte de esta pregunta. Cuerdas, contendores, dos músicos, se convierten en una instalación escénica-musical.

¿Qué tan difícil será inventar un instrumento totalmente nuevo, que además constituya, por sí solo, una instalación sonora y, por ende, un espacio escénico? Habría que preguntárselo a Jerónimo García Naranjo y José Isabel Cruz, los chavos que tramaron el ciclópeo Huey Mecatl (“gran cuerda” en náhuatl), invitado a Radar este año.
Se trata de un arpa hecha a partir de varios contenedores marítimos —cajas gigantes de acero, que funcionan como cajas de resonancia—, unidos por larguísimas cuerdas dispuestas de acuerdo con una visión pitagórica de la música y sus relaciones numérico-geométricas. Una decena de intérpretes se encarga de percutir y pulsar las cuerdas. El instrumento conforma un pentágono. Los espectadores están al centro, perciben la música desde todos los frentes.
Suena complicado, y lo es. Digamos que los artífices de este titán son todo menos improvisados. Hicieron rigurosos análisis acústicos, estudiaron métodos de ejecución y posibilidades tímbricas, y, por supuesto, compusieron dos piezas, Hule y El ritmo del alma del mundo, para su criatura, una verdadera obra de ingeniería sonora.
                                        – Ana Marimón

   Lugar por confirmar
Viernes 12, domingo 21 Horario por confirmar
Entrada libre

 


Charles Gayle Trio
Alta música callejera
 

 Este hombre pasó del metro de Nueva York a ser uno de los más grandes jazzistas de culto de la actualidad. Conozcan a Chales Gayle.

 Cuenta la leyenda que Charles Gayle fue descubierto por Silkheart Records mientras tocaba, solo y pobre, en el metro de Nueva York, luego de vivir 20 años en las calles. Esto sucedió en 1988; hoy, este hombre de más de 70 es reconocido como una de las grandes figuras del free jazz. Ha grabado 29 álbumes como líder y seis como músico acompañante, siempre a cargo de un saxofón blanco del que arranca notas que raspan, que saltan de un lugar a otro y construyen un jazz que no todos comprenden. Raro para alguien que se inició en la música cuando niño, tocando en piano canciones de gospel. «Siempre me sorprende que la gente me quiera escuchar. Para mí es como un milagro», declara Charles, quizá aludiendo su pasado con altas dosis religiosas en el norte de Nueva York. Pero este hombre de un jazz con ritmo difícil de seguir es en realidad un monstruo: toca absolutamente todos los días, si no con su trío en un recital formal, solo, en las calles, como lo hizo durante tanto tiempo. Para quienes se arriesguen a enfrentar sus oídos con él, Gayle tiene una advertencia: «cuando toco, lo hago como si quisiera atravesar el muro. Si el edificio sigue en pie cuando termino, quiere decir que hemos fallado».
                                                  – Ruy Feben

   Teatro de la ciudad
Miércoles 17  20:30hrs
Donativo: $100, $150, $200, $250

 


 Cellule d’Intervention Metamkine / Tony Conrad Angélica Castelló – Burkhard Stangl / Jorge Haro
Cinco al ruedo

 Para melómanos que padecen de gula, un evento que congrega cinco proyectos que sólo podrían unirse en Radar. Aquí te presentamos a cada uno de ellos.


– La Cellule d’Intervention Metamkine es un colectivo integrado por una gran variedad de músicos y cineastas que buscan indagar las posibilidades expresivas que resultan de conjugar la experimentación sonora y los recursos visuales. Sus colaboradores originales, Christophe Auger, Xavier Querér, y Jérôme Noetinger, poseen una trayectoria de casi veintitrés años en las artes audiovisuales. Desde 1995 vienen participando con grupos de renombre internacional como Nachtluft (Suiza), Loophole Cinema (Inglaterra), y Voice Crack (Suiza), entre otros. Su espectáculo en vivo promete disolver las fronteras entre la imagen, la música, el cine y los desplazamientos escénicos: un performance de alto impacto que subvertirá la conciencia del público.

– Tony Conrad ha sido descrito como un artista multidisciplinario: compositor, director de películas y escritor; pero sobre todo se le reconoce como uno de los pioneros del movimiento experimental de los años sesenta. Sus últimas composiciones para violín son prueba irrefutable de su vigencia artística y su capacidad transformadora.

– El instrumento de Angélica Castelló es la flauta de pico. Ha colaborado con diversos compositores como Mario Lavista, Hilda Paredes, Katharina Klement, Johannes Kretz, etc. Su talento en improvisación, música experimental y composición, la convierten en una exponente única de la escena contemporánea. Esta vez se presenta junto con el prestigiado guitarrista y artista sonoro, el austriaco Burkhard Stangl.

  Patio de la Antigua Escuela de Medicina
Viernes 19  20:30hrs
Donativo: $200

 


Únicamente la verdad
La ópera-corrido

 Ésta no es una ópera para verse con traje de gala: contrabando, escenas fronterizas y la música de Gabriela Ortiz, son los elementos que cuentan la auténtica historia de Camelia “la tejana”.


Salieron de San Isidro procedentes de Tijuana. / Traían las llantas del carro repletas de hierba mala. / Eran Emilio Varela y Camelia la Texana. / Pasaron por San Clemente, / los paró la emigración. / Les pidió sus documentos, / les dijo: ¿de dónde son? / Ella era de San Antonio, / una hembra de corazón…
A partir de aquí se origina la obra Únicamente la verdad, que narra la historia de una mujer, Camelia “la tejana”, quien a causa de un engaño asesina a su amante Emilio Varela. El amor, el asesinato y la traición se entretejen a partir de un corrido del destacado grupo de música popular Los Tigres del Norte.
El mundo de la frontera entre México y Estados Unidos es sensiblemente retratado con la música de Gabriela Ortiz, una de las más importantes compositoras latinoamericanas de su generación, quien ha subrayado la importancia de las letras de los corridos, capaces de transmitir y enseñar la historia del país mediante la música.
A ello se suman el libreto original y los videos de Rubén Ortiz Torres, así como la puesta en escena a cargo del actual director del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la UNAM, Mario Espinosa. El resultado: una singular ópera en la que se conjugan elementos de la música popular mexicana del norte del país con segmentos electroacústicos y una escritura instrumental contemporánea de particular virtuosismo.
Esta obra hace crecer el de por sí amplio repertorio de Gabriela Ortiz, mismo que comprende música para instrumentos solistas, ensambles de cámara, música generada por computadora y medios electrónicos, así como música sinfónica que ha sido interpretada en diversos conciertos y festivales.
Estrenada por primera vez en México, la obra está coproducida por el fmx-Festival de México y la Compañía Nacional de Ópera. El diseño de escenografía, de iluminación y de vestuario, así como la producción musical y ejecutiva y un sobresaliente elenco –al cual acompaña, también, un coro–, hacen de éste un espectáculo imperdible.
                                     – María Lebedev

   Teatro Julio Castillo
Jueves 11 20hrs
Domingo 14 17hrs
Martes 16 20hrs
Donativo: $200, $300, $400